Literatura e pensamento crítico
PLÁKA reúne projetos que consubstanciam a política municipal de apoio à prática artística contemporânea no Porto, dando forma às iniciativas Aquisições, Colectivos Pláka, Anuário, Criatório, Shuttle e Inresidence.
Mediando processos de criação, reflexão e investigação em diferentes territórios da arte contemporânea, constitui-se enquanto plataforma de síntese, e análise, de medidas de apoio a artistas e agentes culturais e da sua articulação com a política cultural do município.
A plataforma PLÁKA é uma iniciativa da Câmara do Porto, promovida através do Direção de Arte Contemporânea da Ágora - Cultura e Desporto do Porto, E.M.
Mediando processos de criação, reflexão e investigação em diferentes territórios da arte contemporânea, constitui-se enquanto plataforma de síntese, e análise, de medidas de apoio a artistas e agentes culturais e da sua articulação com a política cultural do município.
A plataforma PLÁKA é uma iniciativa da Câmara do Porto, promovida através do Direção de Arte Contemporânea da Ágora - Cultura e Desporto do Porto, E.M.
-
DIREÇÃO DE ARTE CONTEMPORÂNEA
CÂMARA MUNICIPAL DO PORTO
Presidente
Pedro Duarte
Vereador da Cultura e Património
Jorge Sobrado
ÁGORA — CULTURA E DESPORTO DO PORTO, E.M., S.A.
Presidente do Conselho de Administração
Rodrigo Teodoro Passos
Vice-Presidente do Conselho de Administração
César Vasconcellos Navio
Vogal Executiva
Joana Meneses Fernandes
Secretariado da Administração
Liliana Santos, Cátia Silva
DPO
Filipa Faria
Diretora de Gestão de Pessoas, Organização e Sistemas de Informação
Sónia Cerqueira
Diretor de Serviços Jurídicos e de Contratação
Sérgio Caldas
Diretor Financeiro e de Controlo de Gestão
Jorge Ferreira
Diretor de Comunicação e Imagem
Bruno Malveira
Direção de Manutenção
João Bastos e Miguel Ivo (Coordenadores)
Shuttle
O programa Shuttle tem como principais objetivos promover internacionalmente a cultura da cidade e o trabalho de artistas, autores e agentes culturais sediados no Porto.
Esta iniciativa visa atribuir bolsas de apoio nas áreas das Artes visuais, Artes performativas, Música e Som, Literatura e Pensamento Crítico e Cinema e Imagem em Movimento.
Com um orçamento total de 100 mil euros, as bolsas de apoio a atribuir variam entre os 1000 e os 7500 euros.
O programa de concurso está aberto em permanência, estando previstas três reuniões de avaliação. A primeira fase de candidaturas termina a 16 de fevereiro, a segunda a 01 de junho, e a terceira a 28 de setembro.
Esta iniciativa visa atribuir bolsas de apoio nas áreas das Artes visuais, Artes performativas, Música e Som, Literatura e Pensamento Crítico e Cinema e Imagem em Movimento.
Com um orçamento total de 100 mil euros, as bolsas de apoio a atribuir variam entre os 1000 e os 7500 euros.
O programa de concurso está aberto em permanência, estando previstas três reuniões de avaliação. A primeira fase de candidaturas termina a 16 de fevereiro, a segunda a 01 de junho, e a terceira a 28 de setembro.
Júri 2026
- Júri 2026
Bruno Marchand
Bruno Marchand (Évora, 1978) é licenciado em Design de Comunicação (2002), mestre em Estudos Curatoriais pela Faculdade de Belas-Artes de Lisboa (2007) e doutorando em Arte Contemporânea na Universidade de Coimbra. Entre 2009 e 2013 foi programador do Chiado 8 – Arte Contemporânea e, entre 2017 e 2019, integrou a equipa de artes visuais da Associação Zé dos Bois. É programador de artes visuais na Culturgest desde Março de 2020.Claudia Elies
Claudia Elies (Barcelona, 1990) é licenciada em História da Arte pela Universidad de Barcelona e pela Università degli Studi di Bologna, e em Teoria da Arte pela Goldsmiths, Universidad de Barcelona. Foi coordenadora do programa de artes visuais do centro Can Felipa (Barcelona, Espanha) e diretora do festival de arte emergente Art Nou (Barcelona, Espanha). Desde meados de 2025, é diretora do Centre d'Art Contemporani Fabra i Coats (Barcelona, Espanha).Jesse James
Jesse James (Vancouver, 1987) é curador e programador cultural. É licenciado em Turismo e Lazer pela ESTH/IPG, com especialização em Comunicação e Planeamento Cultural, e mestre em Curadoria de Arte pela FCSH / Universidade NOVA de Lisboa. É fundador e diretor artístico da Bienal Walk&Talk e do espaço cultural vaga, projetos da Anda&Fala — estrutura multidisciplinar que cofundou em 2011, nos Açores.
-
PARQUE, editing an archive
Luís Pinto Nunes e Luís Albuquerque Pinho / Heart of Glass
O projeto “PARQUE, editing an archive” visa a internacionalização da publicação PARQUE, Conjunto Habitacional do Luso-Lima 1958–2023, resultado de investigação sobre património imaterial do Porto. Integrado na exposição “World Book Design 2024–25” no Printing Museum Tokyo e em Nara, concretiza-se através de uma comunicação pública centrada na análise editorial e gráfica da obra, promovendo o design de livro enquanto prática crítica interdisciplinar e reforçando a projeção externa da produção cultural portuense, a mobilidade artística e a consolidação de redes institucionais internacionais.
A Heart of Glass – Associação Cultural é fundada em 2009, e tem por objetivo a promoção de projetos artísticos e culturais, composta por Luís Pinto Nunes e Luís Albuquerque Pinho. A Heart of Glass tem como objeto de ação a produção cultural e a investigação crítica na área da produção artística, curadoria, arquitetura e edição.Luís Albuquerque Pinho e Luís Pinto Nunes – Editores
Akiko Fugimoto – Curadora, Nara Prefectural Library and Information Centre
Maho Kinoshita – Embaixada de Portugal no Japão, Centro Cultural Português em Tokyo -
Matéria Espásmica
Vera Mota
Com o projeto "Matéria Espásmica", Vera Mota investiga as relações entre corpo e matéria, propondo um território onde o escultórico é atravessado pela performatividade. Através da prática expandida do desenho e da escultura, explora processos de transfiguração, transferência e afetação dos materiais, desafiando hierarquias entre distintos corpos — de carne, pedra ou metal. A repetição assume-se como princípio central, cruzando vocabulários do design e da produção industrial com o imaginário biológico. O projeto será apresentado em São Paulo, incluindo uma exposição na Galeria Yehudi Hollander-Pappi, uma residência e o lançamento da monografia "Performing Matters, flesh hues, skeletal forms".
Vera Mota (Porto, 1982) vive e trabalha no Porto. É licenciada em Escultura e mestre em Práticas Artísticas Contemporâneas pela FBAUP. Com apresentações públicas regulares desde 2003, o seu trabalho desenvolve-se sobretudo através da escultura, do desenho e da performance, recorrendo a um amplo espectro de materiais. A sua prática centra-se nas políticas do corpo, entendido como metodologia generativa e eixo conceptual.
Vera Mota — artista/autora
Germano Dushá — texto curatorial -
THE CITY DOES NOT REMEMBER US | New York, USA
Mariana Maia Rocha
"THE CITY DOES NOT REMEMBER US", de Mariana Maia Rocha, desenvolve-se em Nova Iorque, no âmbito de uma residência artística na Residency Unlimited, tomando este território como campo crítico onde se tornam evidentes dinâmicas globais de gentrificação, substituição construtiva, invisibilidade do trabalho e apagamento da memória urbana. A proposta articula desenho enquanto prática performativa, escultura e fotografia para operar sobre o espaço construído não como representação, mas como estrutura material em transformação contínua. Superfícies provisórias, andaimes e infraestruturas transitórias são mobilizados como marcadores de instabilidade, permitindo uma leitura situada das políticas do espaço, dos regimes de visibilidade e do direito à cidade. Através deste enquadramento, a prática posiciona-se nos debates contemporâneos sobre memória coletiva, sustentabilidade urbana e transformação do espaço público, inscrevendo-se nos circuitos internacionais da criação contemporânea.
Mariana Maia Rocha é artista plástica e investigadora. Bolseira “Gulbenkian Novos Talentos 2023/2024” pela Fundação Calouste Gulbenkian, é atualmente mestranda em Artes Plásticas na Faculdade de Belas-Artes da Universidade do Porto (FBAUP). Em 2024, é distinguida com uma Bolsa de Doutoramento para estudos no estrangeiro, também pela Fundação Calouste Gulbenkian. Desde 2018, tem vindo a apresentar o seu trabalho em várias exposições individuais e coletivas por todo o país. A sua obra integra diversas coleções públicas e privadas, nomeadamente: Coleção da Universidade do Porto (ICBAS, Arquivo de Desenhos da FAUP e FBAUP), Coleção Millennium BCP, Coleção João Luís Traça, Coleção Fernando Figueiredo Ribeiro, Coleção Ivo Martins, Coleção Rui Magalhães, entre outras.Mariana Maia Rocha – Artista Plástica
Nathalie Anglès – Diretora Executiva
Data (David) Chigholashvili – Curador
LuLu Meng – Diretora de Operações
Mariko Takashima – Gestora de Comunicação e Administradora de Artes
Giulia Noli – Coordenadora Administrativa e Curatorial -
Tomar a Palavra em Nosso Nome, Amém!
Hilda de Paulo
Este projeto propõe a internacionalização da prática artística de Hilda de Paulo, artista radicada na cidade do Porto, através da sua participação na exposição “As grandes liberdades”, no Centro Cultural UFG (Goiânia, Brasil). A iniciativa inclui a realização da palestra "Tomar a Palavra em Nosso Nome, Amém!", em torno dos seus processos de criação, abordando arte, memória, arquivo e visibilidade trans. O projeto procura ampliar a circulação internacional de um trabalho desenvolvido no Porto, fortalecendo redes de interlocução entre Portugal e Brasil, e contribuindo para debates contemporâneos nas artes.
Hilda de Paulo é artista, curadora, pesquisadora e escritora radicada no Porto. Desenvolve uma prática transfeminista e transdisciplinar entre artes visuais, performance e escrita, abordando gênero, memória e pertencimento. Doutoranda na Universidade do Porto, integra acervos e exposições no Portugal e no Brasil.Artista-palestrante — Hilda de Paulo
Curadoria — Paulo Duarte-Feitoza
Centro Cultural UFG, Goiânia-GO, Brasil
Créditos da imagem: Hilda de Paulo, "Como vai você, Sr. Curador?", 2025. Fotografia de EstúdioEmObra -
Painel | de tão pouco, tanto
Flávio Rodrigues
O projeto "Painel | de tão pouco, tanto", Flávio Rodrigues, consiste numa ação performativa processual que utiliza uma série de telas de diferentes dimensões como suporte para intervenções com objetos, desenho e gestos. Parte de caminhadas e derivas pelos contextos onde a ação acontece, que funcionam como ponto de partida para a recolha de estímulos, materiais e narrativas, posteriormente incorporados na construção do painel. O projeto foi apresentado inicialmente no Corpo + Cidade / Festival DDD e será agora apresentado em três contextos internacionais: Live Art Ireland (Irlanda), Bergen International Performance Festival 2026 (Noruega) e DDD Kunst House, em Yerevan (Arménia).
Flávio Rodrigues (1984, Arcozelo). É artista e, desde 2006, desenvolve um trabalho situado na interseção entre o desenho, o gesto, a performance arte, a instalação e a escultura, concebendo estes meios como territórios férteis de ação e pensamento. Desde o seu primeiro projeto autoral, em 2006, tem apresentado criações em diversos contextos e colaborações, incluindo o Festival da Fábrica / Teatro Helena Sá Costa (Porto), Galeria Appleton (Lisboa), Mandala Festival (Wrocław, Polónia), Acción Spring(t) (Madrid, Espanha), Sofia Underground Festival / Toplo Centrala (Sofia, Bulgária), Starptelpa/Kino Bize (Riga, Letónia), Arte Total (Braga) e Lake Studios (Berlim, Alemanha). Participou em várias residências artísticas, entre as quais "Reclamar Tempo – primeira edição", nos Estúdios Campus PCS (Porto); "Projeto Tijolo", pelas Oficinas do Convento (Montemor-o-Novo); Museu Bordalo Pinheiro (Lisboa); Les Repérages (Lille e Rio de Janeiro); e ADA – Artistic Dynamic Association (Viena, Áustria). Em 2024 foi artista representado pela Bienal de Cerveira. Em 2026 desenvolveu um projeto processual em residência de criação e pesquisa na CACAU Cultural & Roça São João, em São Tomé e Príncipe.
Performance de Flávio Rodrigues
Co-produção — Balleteatro
Apoio à criação — Fundação GDA
Créditos da imagem: Susana Neves -
Countour Biennalle 11
Mariana Caló e Francisco Queimadela
Este projeto visa a participação dos artistas Mariana Caló e Francisco Queimadela na 11ª edição da Contour Biennale, com curadoria de Sofia Lemos, que decorrerá entre 4 de setembro e 1 de novembro de 2026, em Mechelen, Bélgica, prevendo a apresentação de um conjunto de obras na Kunsthalle Mechelen, explorando diferentes domínios e expressões transversais à sua prática artística.
Mariana Caló e Francisco Queimadela licenciaram-se em Pintura e colaboram enquanto dupla desde 2010. A sua práctica é desenvolvida através de um uso privilegiado da imagem em movimento tanto através da realização de filmes, como na intersecção com ambientes instalativos e site-specific, em conjugação com desenho, pintura, fotografia ou escultura. O interesse pelo diálogo entre o biológico, o vernacular e o cultural são elementos recorrentes no seu trabalho artístico.Mariana Caló e Francisco Queimadela — Artistas
Sofia Lemos — Curadora
Martina Elorduy — Assistente Curatorial
Heidi Ballet — Directora
Daphné Charitos — Coordenadora de Projecto
Countour Biennalle 11
Créditos da imagem: Dinis Santos / Galeria Municipal do Porto -
Primal Light
Mónica Baptista
Este projeto de internacionalização tem como foco uma viagem por terra e mar entre Porto e Lyssarea (Grécia), composto por três momentos: a participação no Temenos – Eniaios 2026, o lançamento da publicação SPECTRAL e uma investigação em torno do conceito de “Primal Light”. O projeto visa consolidar redes de afeto e profissionais, promover a circulação da publicação e fortalecer a presença da prática artística do Porto no cinema experimental europeu.
Mónica Baptista (Porto, 1984) é artista visual e trabalha com cinema, instalação, som e fotografia, com especial foco nos processos analógicos. A sua prática desenvolve-se entre o Porto e contextos internacionais de residência. É cofundadora da Cooperativa LAIA e do Laboratório da Torre. O seu trabalho tem sido apresentado internacionalmente, em festivais de cinema, galerias e instituições de arte contemporânea.Mónica Baptista — Artista
Créditos da imagem — Dinis Santos -
Nature Fictions
Hugo de Almeida Pinho
Este projeto tem como objetivo a apresentação de "Nature Fictions" no contexto da exposição "Dissident Bodies" na D21 Kunstraum Leipzig (Alemanha), que explora temas como hibridização, pós-humanismo e experiências de exclusão. "Nature Fictions" é uma performance duracional, de Hugo A que reflecte criticamente sobre o corpo contemporâneo como território híbrido, moldado por tecnologia e ritmos artificiais. Através de movimentos lentos e presença ambígua, esta performance num fato "second skin" e com óculos "light therapy" evoca uma natureza artificializada e questiona identidade e corporeidade. Entre humano e não-humano a obra propõe o corpo como ficção mutável.
Hugo de Almeida Pinho (Ovar, 1986) é artista e investigador. Tem um mestrado em Media Art e Media Philosophy pela Staatliche Hochschule für Gestaltung HfG/ZKM Karlsruhe como bolseiro FC Gulbenkian (2020-2022). É Licenciado em Artes Plásticas - Pintura pela FBAUP Porto e pela Marmara Üniversitesi Istambul (2012). Realizou as residências artísticas internacionais em diferentes cidades europeias. Expõe regularmente desde 2008. É editor dos seguintes livros Under the Ground publicado pela Archive Books (Berlim 2025); Sun Burn publicado pela Mousse Publishing (Milão 2024); Paradox of Plenty publicado pelos Atlas Projectos (Berlim 2021), que envolvem reflexões sobre certas relações críticas entre o humano, a tecnologia e a natureza, e que a par de ensaios visuais da sua autoria têm a inclusão de diversos ensaios escritos inéditos de autores nacionais e internacionais. -
Meaning Mining: Research on Systems of Production
Inês Leal
“Meaning Mining: Research on Systems of Production” é um projeto artístico de Inês Leal, a desenvolver na Residency Unlimited (RU) em Brooklyn, Nova Iorque, entre setembro e novembro de 2026, explora a relação entre dispositivos de visualidade e extrativismo material, reinscrevendo o mineiro na cadeia produtiva da imagem. Ao operar sobre a imagem como matéria performática e intensiva, a investigação propõe a figura do mineiro como vetor crítico para repensar o trabalho e a potência das imagens. O projeto conta com o apoio da Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento (FLAD).
Inês Leal é artista e investigadora. A sua prática ensaística questiona sistemas de perceção e a agência do movimento através de instalações multidisciplinares. Mestre em Cinema e licenciada em Design de Comunicação, desenvolve uma investigação que articula práticas de trabalho e de imagem. Expõe regularmente desde 2021 em espaços como Culturgest, CIAJG, GMP, gnration e La Casa Encendida.
Artista em Residência: Inês Leal
Diretora Executiva: Nathalie Anglès
Curador: Data Chigholashvili
Diretora de Operações: LuLu Meng
Gestora de Comunicação e Administradora de Artes: Mariko Takashima
Coordenadora Administrativa e Curatorial: Giulia Noli -
Sexo e Morte: entre estados libidinais e liminares
AURA
"Sexo e Morte: entre estados libidinais e liminares” é um díptico performativo imersivo composto por duas experiências 1-a-1 que exploram as relações entre desejo, intimidade, morte e ritual, recorrendo à performance, instalação, realidade virtual e inteligência artificial. O projeto irá circular em formatos adaptáveis em contextos internacionais, com apresentações em 2026 nos Estados Unidos e nos Países Baixos, e prevê expansão em 2027 para a Geórgia, Reino Unido, Alemanha e Suécia, reforçando a internacionalização da equipa artística, a visibilidade da criação contemporânea portuense e o desenvolvimento de redes de colaboração com instituições e profissionais internacionais.
AURA é artista transdisciplinar e programadora da Asterisco. O seu trabalho foi apresentado no Teatro Municipal do Porto, Galerias Municipais de Lisboa, Bienal de Arte Contemporânea da Maia, The Place, Nottingham Contemporary, Centre for Live Art Yorkshire, Stockholm Fringe Festival, schuur, Derida Dance Center, entre outros. Possui mestrado em Performance Making pela Goldsmiths, pós-graduação em Gestão Cultural e Sustentabilidade pela FLUC e licenciatura em Artes Plásticas e Intermédia pela ESAP e ASP Gdańsk.Fotografia: Sofia Calvet -
Palestine. Here and There
Em solidariedade com a reivindicação de autonomia e liberdade do povo palestiniano e a exigência do fim da ocupação colonial da Palestina por Israel, Paula Parente Pinto convidou a artista Ahlam Shibli a apresentar o trabalho que tem vindo a desenvolver sobre a reconstrução da identidade palestina nesse contexto de ocupação e militarização que provocou o êxodo do seu povo e constitui a principal causa do conflito árabe israelita. Exemplar do valor da ação na esfera cultural, Palestine. Here and There [Palestina. Aqui e ali] resulta do convite que Ahlam Shibli estendeu a Aref Massalha, Fatma Hassona, Mohamed Harb, Monther Jawabreh e Rehaf Al Batniji para sublinhar a importância de chamar a atenção mundial para novas e diferentes narrativas sobre os direitos do povo palestiniano e reivindicar a mudança como um sinónimo da sua resistência. Depois de apresentada na Rampa, Porto, em 2025, a exposição “Palestine. Here and There” será exibida na BLACK ART, em Nápoles, entre 22 de janiero e 9 de maio de 2027.
Paula Parente Pinto é Doutorada em Estudos Visuais e Culturais na Universidade de Rochester, Nova Iorque. É curadora independente desde 2010, e durante a pandemia Covid 19 criou o website performingthearchive.com e fundou o Performing the Archive (Porto), espaço aberto de trabalho, um manifesto sobre a forma como o arquivo pode ser dinamizado com o objetivo de refletir futuros usos e novas abordagens críticas sobre os suportes e práticas artísticas, bem como as revoluções que deles emanam.
Artistas: Ahlam Shibli, Monther Jawabreh, Fatma Hassona, Aref Massalha, Rehaf Al Batniji, Mohammed Harb
Curadoria: Paula Parente Pinto
Produção: Andrea Aragosa -
f i o ^
Inês Campos
“fio ^”, de Inês Campos, é uma viagem íntima pelos recantos mais profundos das nossas cabeças, debruçando-se sobre as narrativas e os diálogos internos e sobre o modo como moldam a nossa forma de ler a vida. Numa procura de palavras-imagens que são chaves para entender momentos e expectativas da nossa história, o espetáculo cruza dança, teatro visual, música e dispositivos de ilusão cénica. "fio ^" será adaptado e apresentado no Festival MARTO / Scène Nationale de Malakoff, em Paris, a 11 e 12 de março de 2027, reforçando a sua difusão em França.
Inês Campos, artista cujo trabalho envolve dança, cinema, música e artes plásticas, explora a relação entre o corpo e o seu lugar simbólico, num imaginário de realismo mágico. Com a sua última criação, "fio ^", recebeu o prémio SPA de Melhor Bailarina. É cofundadora das bandas Sopa de Pedra e Tigre e atualmente desenvolve seu trabalho como atriz no cinema.Criação e interpretação: Inês Campos
Música: João Grilo
Luz: Mariana Figueroa
Som: Frederico (Quico) Serrano
Maquinaria de cena: Frederico Godinho e Igor Pitela
Figurino: Marta Figueroa
Apoio à dramaturgia e Texto: Marta Figueroa
Olha e Escuta: Pietro Romani
Difusão (França): Mariana Rocha
Produção e gestão: Rita Maia
Fotografia: João Otávio Peixoto -
Frattura
Tales Frey
A exposição “Frattura”, a decorrer no Espazio Marameo, em Florença, entre novembro e dezembro de 2026, apresenta um conjunto de obras que exploram o corpo como matéria instável, atravessada por tensões entre desejo, estética e normatividade. Através de escultura, fotografia e intervenção/pintura, o projeto investiga processos de fragmentação e reconfiguração do corpo, propondo uma reflexão crítica sobre regimes de beleza, performatividade de género e possibilidades de transformação num contexto expositivo íntimo e experimental.
Tales Frey é artista transdisciplinar representado pela Galeria Verve (São Paulo) e Shame Gallery (Bruxelas) e, também, integra o Re.stance (New York City), uma plataforma cultural dedicada à intersecção entre moda, arte, sustentabilidade e práticas comunitárias. As suas criações foram apresentadas no The Kitchen e Judson Memorial Church (EUA), Musée des Abattoirs (França), Museo d’Arte Contemporanea di Roma (Itália), Centro Municipal de Arte Helio Oiticica (Brasil), Akureyri Art Museum (Islândia), TSB Bank Wallace Arts Centre (Nova Zelândia), MIS São Paulo (Brasil), Galeria Labirynt (Polónia), Defibrillator Gallery (EUA). Possui obras em acervos públicos e privados, entre os quais se destacam: Akureyri Art Museum (Islândia), Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Museu Bienal de Cerveira, Coleção Municipal de Arte do Porto (Portugal), MUNTREF (Buenos Aires, Argentina), Pinacoteca João Nasser, Museu de Arte Contemporânea de Niterói, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Museu de Arte de Goiânia e Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (Brasil), Central Museum of Textiles (Polónia).
Criação: Tales Frey
Organização: Corso Zucconi
Produção executiva: Tenda de Saias
Fotografia: Bruno Lansa -
Serra Juntas Borda d'Água
Reina del Mar
"Serra Juntas Borda d'Água" é uma pesquisa artística que investiga as relações entre desorientação contemporânea, escuta e território, partindo dos imaginários subterrâneos (naturais e urbanos). A apresentação da pesquisa Serra Juntas Borda d'Água no espaço Materia Abierta, na Cidade do México, tem como objetivo inserir o projeto num contexto internacional de investigação e criação, em diálogo direto com as práticas sonoras desenvolvidas nas cavernas pré-hispanicas Cuahyacac-Tecamponatitla.
Reina del Mar cruza a sua prática artística e curatorial com metodologias de hackeamento cultural, escrita, imagem em movimento, programação artística e criação de sonoplastias e outras viagens sonoras. Investiga o potencial da escuta ativa como prática feminista e de influência na criação e desenvolvimento de entre-ajuda e afetos. Investiga o impacto do digital e do hiperestímulo na desorientação, construção, fragmentação e controlo de identidades.
Composição Sonora e Curadoria: Reina del Mar
Apoio de Residência: Materia Abierta
Apoio de Comunicação: Radio Drama Cine-Bar -
O que Ouvimos
Eunice Pais
“O que Ouvimos” é uma investigação artística sobre as ecologias do Atlântico Norte e as relações entre humanos e mais-que-humanos, tomando a alga como corpo de transferência entre Apúlia, Portugal, e Cobh, Irlanda. O projeto procura investigar como ecologia, memória, deslocação e circulação se articulam através das infraestruturas marítimas, questionando narrativas antropocêntricas sobre o oceano. A ação realiza-se através de uma residência artística no Sirius Arts Centre, onde serão desenvolvidos trabalhos de imagem em movimento, fotografia, som e práticas de escuta e narrativa especulativa, culminando numa exposição em Cobh.
Eunice Pais é uma artista multidisciplinar. A sua prática cruza imagem em movimento, fotografia, som, escultura e instalação, explorando ecologias marítimas, memória, trabalho e relações entre humanos e mais-que-humanos através de abordagens especulativas. Em 2026, apresentou Pele do Mar na Galeria Municipal do Porto e participou em Wild Waters, na Framer Framed, em Amesterdão. O seu projeto Sargassum é atualmente apoiado pela DGArtes.
Artista / Autora e responsável pela direção artística, investigação, produção e realização do projeto:
Edição de imagem e som / Masterização e finalização sonora: a definir -
Chimeras Fest (Arraial de Quimeras) – Workshop Critical Costume 2026
Inês de Carvalho e Ana Vitorino / Visões Úteis
A mais recente criação do Visões Úteis, “Arraial de Quimeras”, revisitou 30 anos de arquivo para desenhar uma “exposição performativa” em torno do poder e agência do figurino, numa parceria com a Casa de São Roque e com o apoio da Programa Criatório da Câmara Municipal do Porto. A partir desta criação, Inês de Carvalho e Ana Vitorino desenharam um workshop que propõe partilhar a experiência do projeto, as reflexões levantadas e as possibilidades de (re)construção e (re)interpretação a partir das mesmas materialidades. Este workshop foi convidado a integrar a programação da Conferência Internacional “Critical Costume 2026” em setembro de 2026, no London College of Fashion da University of the Arts London.
O Visões Úteis é um projeto artístico pluridisciplinar, de origem teatral, fundado no Porto em1994, e atualmente residente na freguesia de Campanhã. Ao longo da sua História, criou, produziu e apresentou em Portugal e no estrangeiro mais de uma centena de espetáculos de teatro, trabalhos de Performance na Paisagem, Performances em Comunidade, filmes, livros, festivais e encontros.
Direção artística e criação: Inês de Carvalho
Consultoria de arquivo e criação: Ana Vitorino
Confeção das Quimeras: Inês de Carvalho e Nuno Queirós
Desenho de som: Vasco Zentzua
Coordenação de produção: Cláudia Alfaiate
Produção executiva: Margarida Barreiros Feijó
Produção: Visões Úteis
Fotografia: Sara Allen
PARQUE, editing an archive
Artes visuais
Matéria Espásmica
Vera Mota
Artes visuais
THE CITY DOES NOT REMEMBER US | New York, USA
Mariana Maia Rocha
Artes visuais
Tomar a Palavra em Nosso Nome, Amém!
Hilda de Paulo
Artes visuais; Artes performativas
Painel | de tão pouco, tanto
Flávio Rodrigues
Mariana Caló e Francisco Queimadela
Countour Biennalle 11
Mariana Caló e Francisco Queimadela
Cinema e imagem em movimento
Primal Light
Mónica Baptista
Artes performativas
Nature Fictions
Hugo de Almeida Pinho
Artes visuais
Meaning Mining: Research on Systems of Production
Inês Leal
Artes performativas
Sexo e Morte: entre estados libidinais e liminares
AURA
Artes visuais
Palestine. Here and There
Artes performativas
f i o ^
Inês Campos
Artes visuais
Frattura
Tales Frey
Música e Som
Serra Juntas Borda d'Água
Reina del Mar
Artes visuais
O que Ouvimos
Eunice Pais
Artes performativas